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Y escribe ” esta fue la tarea de mi vida : esforzarme por aprender a hacer zapatos que sientan bien siempre y negarme a poner mi nombre a cualquier zapato que no siente bien”.
-1940 sandalia con cuña de corcho,1941-1942 Sandalia trabajada a ganchillo. Zapato de rafia con cuña de corcho 1942-1944. Zapatilla de raso bordada a máquina con hilos de seda 1944- 1945. Sandalia de gamuza con cuña de madera1947.Sandalia de gamuza y cabrito 1941-1942
Se queda en Hollywood hasta 1927, periodo fecundo en diseños y modelos nuevos (siguen siendo utilizados como moda actual). Plataformas , punteras redondas, zapatillas de raso, sandalias en negro y oro con afilado tacón , de serpiente, con escamas…… y muchos más “aunque el más raro par de zapatos de mi carrera, tambien el más caro, eran unos zapatos cubiertos de plumas de ave traidas de Mejico por las cuales el cliente pagó 500 dólares ; quisó inmediatamente otro par , aunque no fue posible encontrar más plumas.
Viaja por Italia para encontrar una cadena de montaje humana, y es en Florencia donde comprende que con su floreciente artesanía tenía la posibilidad de conseguir los maestros necesarios; abre una tienda en Via Mannelli, con sesenta operarios y se vuelve a Estados Unidos. Se produce el crac de 1929, el dolar se hunde y la empresa Ferragamo se declaró en quiebra, debido a una mala gestión. Salvatore toma las riendas y crea el primer tacón de cuña calzado por la duquesa Visconti , pronto se pone de moda.
Sandalia de tiras de raso 1935-1936
Tapones de corcho le sirvieron para los tacones. Su empresa en 1939 daba trabajo a cuatrocientos hombres y mujeres.
La guerra hizo que abandonara el lujo y se dedicara a producir calzado para el ejército. Un boceto publicitario de 1946 reproduce una Florencia en ruinas con un zapato de Salvatore en primer plano, y el texto dice :”reanudemos el camino”.
En 1947 de nuevo establece contactos con Estados Unidos .” lo más bonito de todo era que los pies, con ritmo creciente, volvian por mi tienda, puedo reanudar el trabajo que amo más que ninguno.
Crea el zapato invisible y fue la primera vez que se concede a un zapatero el Oscar a la moda, en el momento de la entrega se encontraron Dior y Salvatore Ferragamo, como por encanto los zapatos de Ferragamo complementaron a ala perfección los trajes de Dior. Los años cincuenta fueron para Salvatore periodos de gran actividad.
Botín de tela pintada a mano 1927- 1930
Greta Garbo, la duquesa de Windsor, príncipes y famosos así como personas humildes cuyo trabajo imponía grandes jornadas de pie, buscaban su ayuda…” Hay mucho trabajo que hago gratis, y mucho más por el cual pido solamente el precio que el comprador suele pagar.
La puntera francesa, el tacón ortopédico , el tacón de aguja que hizo famoso Marilyn Monroe, el zapato bajo creado para Greta Garbo, las sandalias y una gran cantidad de modelos que, aunque se apartaban de la moda, tenían éxito…”porque a un creador debe consentírsele crear; no debe sofocar sus ideas sólo porque el mundo aún no esté dispuesto a acogerlas”.
En 1960 Salvatore Ferragamo murió. Y con el desapareció una época. Lo definen como el zapatero que logró elevar a arte su oficio.
Hasta los Años Veinte, y durante siglos , los zapatos, frágiles creaciones de seda o de finísimo cabrito, estaban tapados bajo las amplias faldas, vestidas por criaturas igualmemte gráciles y delicadas. Con la primera guerra mundial las mujeres entraron a formar parte del mundo laboral masculino y , después de la guerra alzaron el vuelo definitivo hacia la igualdad y la independencia.
Para evidenciar su evolución se desprendieron de los trajes largos y pesados y bajo las faldas cortas aparecieron los zapatos. Y el destino quiso que en ese momento surgiera un zapatero, lleno de fantasía e inspiración, que dedicaría su vida al calzado, consiguiendo dar a las mujeres lo que deseaban: zapatos de ensueño.
No siempre, el oficio de zapatero como un trabajo reconocido, llegó a ser digno de tener en cuenta hasta que, un jovencísimo personaje que nació en 1889 siente la vocación de ser zapatero. Durante años este gran diseñador y creador de calzado no consiguió el permiso de sus padres para ejercer como zapatero, por ser este oficio considerado como el más bajo de todos los oficios.
Botina en tejido goffré lamé. Tacón de aguja, 1955-1956
En los Años Veinte la falda, al acortarse, sacó a la luz los zapatos. Fue entonces cuando apareció, como en los cuentos, una especie de Zapatero Mágico, nacido en la pobreza en un pueblo de Italia y llegado a Hollywood para vestir los pies de las estrellas con pieles de pescado, avestruz, mono, pitón y canguro, con rafia y seda, con algas marinas y cáscaras de caracol. Inventó el tacón de aguja, el ortopédico y el labrado, el calzado de cuña y la puntera francesa. Se llamaba Salvatore Ferragamo.
Salvador Ferragamo en 1957, tres años antes de su muerte escribió su biografía….. ” Si, saliendo de Nápoles os dirigís hacia el este unos cien kilómetros, llegaréis a un pueblo que no tiene otro camino de salida que el que habéis recorrido para llegar a él. Es Bonito el lugar dónde nací”.
Nadie dudó nunca de su genialidad como creador de calzado desde que, a la edad de nueve años, hizo los zapatitos de Primera Comunión para sus hermanas. Entra en el taller del zapatero del pueblo Luigi Feste, y, aprende el oficio a traves de las prácticas habituales del taller (que incluia cuidar al hijo del maestro). A los once años marcha a Nápoles y vuelve a Bonito para abrir su propia tienda, después de haber aprendido todo lo posible sobre las modas.
Zapato de piel de pescado, zapato de encaje, zapato de algodón a cuadros,y zapato de piel de antílope con lunares pintados(1930- 1935)
A los dieciseis años ya era zapatero conocido. se marcha a Estados Unidos donde se encontraban sus cuatro hermanos, con la intención de tener éxito y regresar “rico y famoso”, y para demostrar a Italia como se debían hacer realmente los zapatos, pero se encontró con los zapatos fabricados a máquina. Esto le bastó, para confirmar una convicción que conservó toda su vida ¡ los zapatos debían hacerse a mano y sólo a mano! ” ¡ No! ¡ No! ¡No! ¡ No puedo ni quiero trabajar aquí,. Esto no es ser zapatero. No hay habilidad personal. Nunca tendre que ver con los zapatos hechos a máquina.”
Más adelante se daría cuenta de que las máquinas iban a sustituir cada vez más a las personas. En el mejor de los casos el diseño se tiene en cuenta y han quedado y siempre , por lo menos hasta nuestros días, copias de sus modelos, sin practicamente ninguna innovación. A lo que siempre consideró como una posibilidad de Arte, eso sí , siempre que se trabajara a mano el producto, se ha añadido la firma de cualquier famoso que a veces nada tiene que ver con la maestría que se requiere para hacer un par de zapatos, bonitos y cómodos que era lo que pretendió con su buen hacer este gran artista del zapato, Salvatore Ferragamo.
Sandalia de tiras de gamuza,sandalia con tacón de espejitos, sandalia de rafia y tacón de corchos , y zapato cerrado de gamuza en patchwork (1935-1938)
Con alguno de sus hermanos abre una tienda de reparación de calzado y gracias a sus contactos con la American Film Company, empieza a hacer calzado para sus películas. Hizo botas para los cowboys de las pilículas delOeste, sandalias romanas y egipcias…Salvatore Ferragamo se convirtio en el zapatero preferido de los astros. Ferragano escribe : “Por entonces en Estados Unidos estaban de moda los zapatos de puntera muy afilada…. Hice zapatos de ese tipo hasta que me aburrí, así que, cuando Barbara La Marr me pidió unos zapatos originales, creé mi primera puntera a la francesa, de la cual Francia no había nunca oido hablar, los zapatos a pesar de que no era una línea bonita se popularizaron de inmediato. Otra moda que quería cambiar era la del zapato cerrad0…… se me presentó la ocasión de hacer una serie de sandalias para unas esclavas romanas, no convencieron a los particulares , reacios a enseñar desnudo el pie, hasta que una princesa india le encargó un par y le dijo “Para una oriental, no es nada indecente enseñar el pie”, las llamé sandalias a la romana.
Debido a un artículo en el periódico “Los Angeles Times” todas las estrellas de cine querian ponérselas”. “En 1923 mi calzado se vendia en cantidades crecientes….había un problema que me había obsesionado ..la búsqueda del secreto que durante siglos se les había escapado a los zapateros de todo el mundo: ¡el secreto de los zapatos que siempre sientan bién!”.
Zapato escotado llamado Tavarnelle, imitación del encaje veneciano.1930-1935.
Empezó a estudiar la anatomia del pie en la universidad de Southern California …. ” Y luego finalmente un buen día lo encontré, la conciencia del éxito me vino de las palabras de asombro de mis clientes, que me repetian cada vez más a menudo ¡ que cómodos son estos zapatos! ¡ ya nunca podré llevar los zapatos de antes !. Con los mios, decían se sentían distintas, podían caminar sin sufrir, lo cual es por otra parte la única función de los zapatos.
Con mis zapatos se sentían felices”.
Continuará…..
Balzac escribe en” La fisiologia del matrimonio” como– la invención de la cama debe de estar a mayor altura que la de los barcos, de las armas de fuego y que del mechero. A la par de los rituales alimenticios o los que rodean la muerte, revelador de las mentalidades de una época; la forma de usar la cama y el espacio dónde ésta se coloca dice mucho de su ocupante y sobre la sociedad a la cual pertenece.
Según texto de 1600...
De la mansión medieval al hábitat contemporáneo, las alcobas expuestas en el Musée des Arts Décoratifs ritman las etapas de una metamorfosis de las costumbres. El juego de la teatralidad social, tras una progresión ininterrumpida a partir de la Edad Media, conoce su apoteosis en el siglo XVII y después se va difuminando en el XVIII por obra de la noción de intimidad y que triunfará en el siglo XX.
El mobiliario sigue la evolución de los lugares. Se pasa así de los escabeles, haces de paja recubiertos de telas y puestos en el suelo, de los cofres dónde se guardaba la ropa blanca y la vajilla valiosa de la Edad Media a diluvios de butacas, tocadores secreteres, espejos y biombos durante el Renacimiento y bajo el Imperio, antes de abordar los conjuntos integrados de los creadores contemporáneos. Dominando todos estos muebles , a veces muy prosaicos, la cama reina en el espacio de la alcoba y se impone como soporte de un simbolismo múltiple.
La Edad Media la concibe muy ancha: deberá acoger a toda la familia y a los huéspedes de paso a quienes la cortesía obliga a guardar cerca de sí si se hace tarde. No es , en cambio muy larga: el sueño recuerda la muerte y a nadie le gusta dormir estiradocual estatua yacente. En el mundo campesino, el hombre separa poco a poco su lecho del de los animales……..( a veces muy poco a poco), alza la cama, y la cierra para convertirla en un pequeño aposento protegido de la promiscuidad y del aire que se cuela. La aristocracia hace de ella un objeto de ostentación: la alcoba es una privilegiada sala de recibo hasta el siglo XVIII.
Sueños de alcoba
En la Corte, se embellece con esculturas, se engalana con colgaduras, baldaquinos, pasamanerías de oro y plata, no duda en coronarse con plumas de avestruz para atestiguar el rango de su propietario.
Pero marido y mujer no duermen juntos: se aislan en dormitorios separados a la hora del sueño. Costumbre transgredida por Napoleón al lanzar la moda de la cama común. “La opinión de Bonaparte- vuelve a decirnos Balzac- era que una vez que había habido un intercambio ‘de almas y transpiraciones’, nada ni la enfermedad, debía separar a los esposos.
Con el siglo XIX y la noción de confort burgués, la alcoba se cierra tras la pareja y la cama se convierte en altar de la vida conyugal. Paralelamente, al margen del mundo rural y de la aristocracia, utopistas y filósofos tratan de encontrar soluciones adecuadas para las necesidades de la naciente clase obrera. Se inventa la vivienda social y con ella emergen nuevos criterios: orden , limpieza, solidez, preocupaciones moralizantes….
(A.C)
Francisco Salzillo
Francisco Salzillo. Este artista nacido en el año 1707 y muerto en 1783, fue hijo de un modesto escultor, de nombre Nicolás Salzillo, oriundo de Nápoles, llegado a Murcia a finales del siglo anterior con la intención de ganar los éxitos, que sin duda, no pudo obtener en su tierra de origen. Establecido en la ciudad, creó un taller dedicado a satisfacer las demandas de una renovada actividad piadosa, encabezada por las iglesias locales y por las poderosas cofradías pasionarias. Al morir en 1727, pasó el obrador familiar a ser dirigido por su hijo Francisco con el que comenzó el verdadero esplendor de la escultura barroca murciana, último y brillante eslabón de la poderosa escuela española del siglo XVII.
El modesto bagaje artístico que trajo consigo Nicolás Salzillo pudo sobrevivir entre diversos competidores llegados desde otros lugares de Europa, sin duda, alertados por el esperanzador horizonte que ofrecía la ciudad de Murcia.
La Dolorosa -1755
La renovación de la arquitectura religiosa, los proyectos retomados iniciados durante el Renacimiento, necesidad de nuevas esculturas para permitir a los fieles una mejor comprensión de los misterios de la religión, etc . En este ambiente de cambios artísticos se basó la formación del escultor Francisco Salzillo. Salzillo en la talla en madera dió forma a esta nueva realidad. Su taller se convirtió en el eje sobre el que gravitó toda la escultura local y en una referencia obligada para la escultura española de su siglo. La imagen devocional en madera policromada alcanzó con Salzillo uno de sus puntos culminantes, especialmente en la renovación de los ” pasos” procesionales.
El Beso de Judas 1763
En efecto, fue Francisco Salzillo el último de los grandes cultivadores de estas complejas composiciones, que anualmente desfilan durante Semana Santa por las ciudades españolas. La fastuosidad de tales cortejos-uno de los múltiples aspectos de la fiesta barroca- imponía ciertas condiciones para la cotemplación de imágenes en movimiento capaces de suscitar el entusiasmo colectivo. De la autenticidad de sus gestos y de la posibilidad de percibir sus cambiantes puntos de vista, acomodados a una escenografía urbana, que convertía a la ciudad en un inmenso teatro pasionario, dependía gran parte del éxito pretendido. Y Salzillo lo logró en grupos que esculpió para la Cofradía de Jesús de Murcia, cuyo desfile matinal de Viernes Santosigue siendo como en el pasado un extraordinario museo de escultura y de teatro, que se desarrollaba anualmente en la calle.
San Juan
Oración en el Huerto
Los componentes de este drama sacro, se movían en escenas previamente convenidas, cuyos argumentos eran impuestos por los regidores de las hermandades pasionarias. Francisco Salzillo, fue el último intérprete de esa tradición escultórica a la que aportó conjuntos de la calidad de La Ultima Cena y de La Oración en el Huerto.
El San Juan, que desfila en la mañana del Viernes Santo, acaso sea la mejor síntesis de una imagen en movimiento, resultado de una profunda indagación en el volumen y en el color como cualidades esnciales de la escultura.
¿Sabéis de dónde viene la expresión “echar un polvo”?
Data de los felices años 20, unos años mágicos. España no se había metido en la Primera Guerra Mundial, y tuvo una postguerra muy feliz. Los españoles conocieron el hedonismo, la buena vida, y como consecuencia se incrementó el vicio del tabaco inhalado (el célebre rapé). Los hombres que presumían de ser elegantes llevaban en su bolsillo un bonito recipiente, en forma de caja, donde almacenaban polvo de tabaco impregnado con esencias (rapé), que se intercambiaban como signo de cortesía, de ahí viene el original ¿quieres echar un polvo?. Como era de mala educación inhalar ante señoras, los hombres cuando sentían el síndrome de abstinencia se salían del salón, con la excusa de echar un polvo.
A pesar de eso, muchas veces la ausencia del salón no era exactamente para inhalar rapé sino para tener un encuentro con alguna damisela en las habitaciones altas que tenían todas las casas de “buena familia”, y se ausentaban diciendo: voy a echar un polvo, perdiéndose por las habitaciones, donde se encontraban con sus amantes para un encuentro sexual…, quitándose el polvo de encima….
Nos adentramos un poco más en la historia de este célebre producto:
Existen dos tipos de tabaco sin humo, el rapé y el tabaco de mascar. El rapé es un tabaco picado muy fino, se almacena seco, húmedo o en saquitos (como las bolsitas de té). Esnifar (inhalar) rapé seco por la nariz era algo más común en los países europeos que en Estados Unidos, … y parece que la tradición de esnifar sigue pese a la ausencia del rapé…..
Cajita de rapé
Aunque el consumo de rapé no consistía, sólo, en esnifar… Como tantos otros placeres ocultos, tenía su ritual: «el dandy quedó, al parecer, tan fascinado por la serie de requisitos para sorber el polvo de tabaco [que] fue costumbre que cada lechuguino rallara su propio rapé, y con esta finalidad tenía que llevar consigo un considerable equipo», el rollo de tabaco duro conocido como carotte, el rallador de madera y la cajita o tabaquera de rapé. Eso, en los equipos sencillos: había un alfiler para limpiar el rallador, una cucharilla para tomar el polvo de la caja, un cedazo para filtrar el polvo y hasta una pata de liebre para limpiarse la nariz (Mirad este blog) .
Imaginaos la ceremonia vista entre bastidores…., entre la pata, el polvo, el alfiler y el rallador…., ¡como te equivocases de orden ibas apañado!
Y en este escenario era claro… el desarrollo de las cajitas para guardar tan preciosos y preciados polvos tuvo una época dorada, encontrándonos con numerosos ejemplos en diferentes materiales, adornos y estilos, incluso con ejemplos como el de la foto “para llevar”, en pequeñito, y otros casi tipo baúl, ¡para almacenar en casa!
“….Cuando el tabaco llega a Europa, muchos ven en él un pecado al relacionarlo con un pasaje bíblico en el que se dice que todo lo que sale de la boca del hombre le mancha. En 1603, Jacobo I de Inglaterra prohíbe el tabaco “cuyo humo negro y apestoso evoca el horror de un infierno lleno de pez y sin fondo”. En Rusia, el zar Miguel Fedorovich hace cortar la nariz de los tomadores de petún (antigua forma de nombrar al tabaco rapé). La Iglesia actúa también y en 1621, Urbano VIII excomulga a los fumadores culpables de usar «una sustancia tan degradante para el alma como para el cuerpo». Todas esas consideraciones pueden parecer risibles, pero expresan la importancia simbólica de la acción de fumar….” Más sobre la historia del tabaco aquí
¿Usted usa rapé?… Quizá sea ésta la causa final de la existencia de la nariz humana.
Samuel Taylor Coleridge
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Objetos de otras épocas
Una gran parte de personas (entre las cuales me incluyo) desarrollan a lo largo de su vida el coleccionismo. No como medio de trabajo, sino por hobby. Acumulamos objetos de lo más diverso, la mayor parte de las veces la colección que se inicia surge de un modo casual, nos encontramos con dos o tres piezas que corresponden a la misma categoría de objetos y oímos una vocecita que nos anima a conseguir más; durante unas vacaciones recogemos por la playa unas conchas… nos encontramos en la maleta cajas de fósforos de los distintos hoteles visitados… hacemos una visita a un mercadillo de un pueblo y vemos todo tipo de cosas antiguas, monedas, candiles, revistas , platitos, copitas ..etc.. etc etc,… Y como nos fijemos en cosas que nos han recordado algo de lo que ya tenemos …que pensamos que podemos completar,…. que tenía nuestra abuela… ¡en fin! de repente en una de esas…¡ya estamos enganchados!
Coleccionar parece fácil, pero no es así. Hay que elegir que tipo de objetos van a integrar una colección y tener en cuenta dos aspectos para mí fundamentales: no todo vale y hay cosas que nunca podremos conseguir. Después tenemos que tener en cuenta nuestros gustos y hacer una colección a nuestra medida, si no corremos el riesgo de convertirnos en personas neuróticas con pérdida a menudo del control y con una ansiedad permanente.
Colección de Unico Universo
Buscar en este mundo de las colecciones la nuestra propia puede ser muy gratificante, muy entretenido, divertido y nada caro, siempre siguiendo esta norma básica: buscar, encontrar y elegir; no podemos tener todo de algo, hay que decidirse y seguir buscando lo que de verdad nos interesa y no meternos en las colecciones de los demás porque dispersamos nuestra atención y esto es un riesgo que no podemos correr, porque mientras tanto corremos el riesgo de que desaparezca la pieza que nos gustaba de verdad. Por suerte todo, o casi todo, es coleccionable y la historia de la humanidad nos da muchas oportunidades.
Distintas épocas, distinta moda, distintos materiales, diferentes formatos, variedad de diseños de diseñadores, de fábricas, de talleres, de países, de continentes, de mares .. etc…. etc, y dentro de todo esto, a su vez, todo tipo de objetos que nos podamos imaginar. Todo lo relacionado con el mundo del cine, o de la fotografía, cajas, monedas, alfileres de corbata, de sombreros, de chaquetas…, collares, botellas, cerámicas, piedras, cristal, metal… la lista es interminable porque a su vez, pueden ser de un tamaño determinado o de un material (sólo de porcelana, o sólo de plata, o sólo de un color) !en fin! lo que os decía, infinitas posibilidades.
Los amantes
Voy a citaros algunos personajes de la historia que sentían verdadera pasión por coleccionar: Plácido de Sangro , Duque de Martina, uno de los más exquisitos coleccionistas del sigloXIX. En estas colecciones dedicadas a objetos de lujo y placer , a la galantería, nos encontramos con tabaqueras, relojes de bolsillo, cajas, frascos,etc, procedentes de manufacturas europeas de los siglos XVIII yXIX pertenecen en la actualidad al Estado.
Antaño las colecciones eran privativas de los reyes y de la nobleza pero a partir del XVIII la burguesía accedió con entusiasmo a este regio hobby, comenzando con entusiasmo muchas de las colecciones que han llegado hasta nuestros días.
Valentine doble, conchas de colores
Mary Delany fue una de las más célebres cultivadoras de la artesanía de los “Valentines” de conchas (siglo XVIII). El origen de este arte parece ser que está en los marineros…, de esta historia hablaremos otro día.
Mary era amiga de la Duquesa de Portland, ávida coleccionista de conchas, y junto con otra de sus íntimas amigas ayudaron a la duquesa en la decoración de una gruta realizada de conchas, traídas de las costas de diferentes lugares del mundo.
Gruta de Conchas de Goodwood, Sussex
Pablo Neruda fue también un apasionado de coleccionar.
Tenía sus casas llenas de recuerdos que siempre atesoraba y aumentaba siempre que podía, jarrones, cajas botellas, monedas; su obsesión era el mar y lo reflejó en algunas de sus colecciones 
: mascarones de proa, partes de barcos encontrados, los faroles que los iluminaban etc, pero tiene una clara preferencia, que señala en una de sus obras “…En realidad, lo mejor que coleccioné en mi vida fueron mis caracoles…”
Hace unos días, leyendo una revista de antigüedades, encontré un artículo que me pareció muy interesante, introducía la palabra Arte para denominar casi todos los productos que señalaba en sus páginas, y decidí en ese momento escribir en mi blog algo sobre este tema.
Las llamadas ” Artes Menores” o Artes decorativas ¿ cómo ubicarlas ? ¿ dónde colocarlas ? ¿a qué nivel de arte corresponden actualmente? ¿ dentro del Arte en general? ¿ cómo las llamamos ahora ? después de estudios e investigaciones y lejos encontrar ninguna solución a la forma de llamarlas, de las polémicas suscitadas ya desde el siglo XIX, tenemos que concluir que se nos ha terminado el tiempo de considerar cómo llamarlas, porque da igual ya que están desapareciendo….!
Prismáticos de teatro
Los trabajos sobre tejidos, cristal, joyería, orfebrería, cerámica etc, etc; cualquier objeto creado artística o artesanalmente, en tiempos anteriores, no fueron creados sólo siguiendo criterios de uso, sino para conseguir algo bello, algo para ser admirado, no importaba si era de uso cotidiano (que algunos en su momento lo fueron y además muy útiles), o no se llegaban a usar.
La mayoría de estos trabajos eran realizados por gremios que se dedicaban a las Artes Menores, y hoy ya son reconocidos como objetos artísticos muy apreciados tanto por su calidad, su valor estético, por su extraña belleza, o por curiosos… siempre aportan algo distinto. Esto sucede con los binoculares o gemelos de espectáculo. Marcaron un estilo, una época, formaban parte del día a día. Las técnicas artísticas que se utilizaron para su existencia han desaparecido, ahora forman parte de esos objetos buscados por coleccionistas o aficionados a las antigüedades. Escuchamos hablar del gran valor artístico y artesanal que tenían los productos resultantes de los distintos gremios, pero lo cierto es que únicamente podemos contar con algunas de sus obras …es lo que queda de las técnicas de estos genios artísticos de nuestro pasado.
No he hecho más que empezar…. seguiré tratando este tema más adelante, para hablar de William Morris: artista, poeta y reformador social del siglo XIX.
Planta híbrida
Vamos a ver,.. las flores que el otro día aparecieron en nuestro facebook , que estaban en una maceta y por lo visto había dudas sobre su nombre , os digo se llaman “pensamientos”; podemos llamarla por su nombre científico que es: Viola x wittrockiana. Tiene ese nombre, debido a que es una planta híbrida resultado de 2 ó 3 cruces entre la violeta y la viola tricolor ( según expertos); no son petunias, no son begonias, ni tampoco las llamadas flores de primavera, y entre el nombre común y el científico……pues elegid; lo explico también porque el otro día, navegando, navegando, me encontré con un comentario sobre un prendedor, por cierto precioso (claramente era un pensamiento) y lo llamaban petunia, ya sé que las flores no les contestan a algunas personas, pero tienen un nombre y si nos dirigimos a alguna de ellas confundiéndolas ….poneos en su lugar…¡ninguna gracia ! ¿ verdad ? pues eso. Ya que me he puesto a escribir sobre esta planta, os voy a decir unas cuantas razones para tenerla.
Es una planta muy resistente al frío, en los lugares de clima mediterráneo se conservan desde Octubre hasta Mayo ,
Platito con violas
podemos elegir entre una gran variedad de colores, como podéis ver en la foto que he puesto (para que no haya ninguna duda) también podemos escoger el tamaño, la flor es preciosa y muy decorativa, la textura de sus pétalos es muy parecida en todos los colores, pero si prestáis un poco de atención a vuestro tacto notaréis que las flores oscuras son más aterciopeladas.
Sobre una mesa su efecto es acogedor y cálido, su presencia en el jardín es sencilla e ingenua. Pero no termina ahí todo, no, podemos utilizarla para decorar nuestros platos, por ejemplo ensaladas y después… comérnoslas ¡como os lo estoy diciendo! si tenemos en cuenta que estamos en crisis… no es que llenen mucho pero algo es algo… eso sí , hay que lavarlas muy bien. Tienen un sabor…. a yerba, y a flor …probad y luego me contáis. Podríamos hablar de las flores comestibles, pero eso será….. otra historia.
Antiguo anillo egipcio de oro
He estado leyendo últimamente sobre Egipto, por el tema político (obviamente), y por la joyería antigua del Imperio Medio y Bajo y he encontrado cosas muy interesantes.
¿Sabíais que en el antiguo Egipto la plata era más valorada que el oro? Motivo: había que importarla y por ello alcanzaba un precio superior al oro, que era muy abundante.
La mayoría del oro utilizado se encontraba en territorio nacional. Los principales yacimientos estaban situados en los desiertos montañosos del sur y sudeste de Egipto, en el Uadi Hammamat y en Nubia. La plata fue mucho más preciada hasta el Reino Medio, época en que comienzan a llegar las primeras importaciones de Asia. Toda la plata encontrada del Imperio Antiguo y Imperio Medio tiene una alta proporción de oro en su composición variando desde a un 3,8 a un 9 por ciento.
Egipto carecía de moneda, se pagaba con sacos de grano o de cobre y en la vida cotidiana se utilizaba el trueque valorado en unidades estándar como forma de pago:
- Khar: 65 kg. de grano
- Deben: 90 gr. de cobre
- Shat: 7 gr. de oro
- Seniu: 9 gr. de plata
El salario de un artesano era de 5’5 sacos (un saco equivalía a 65 kg) de grano al mes, más o menos 11 deben, y si un litro de aceite o un cuchillo costaban uno ó dos deben, sillas o camas llegaban a los 20, y un sarcófago podía oscilar entre 25 y 200, por lo que hacían encargos particulares fuera de horas.
La estricta maquinaria estatal, que intervenía en todos los asuntos, y el almacenamiento de excedentes impidió que se aplicaran las leyes de la oferta y la demanda, evitando diferencias de precios y consiguiendo 30 siglos sin inflación.
¿Os imagináis la economía actual regida por estas políticas económicas? Me ha dado mucho que pensar. Visto lo visto igual los sistemas de trueques no están tan mal…
A través de una colección se descubre la evolución de la técnica e impulsos artísticos que se unen para crear las piezas que la integran, en este caso quiero acercaros a la historia de las copas antiguas.
Distintos modelos de copas
En ellas se ven reflejadas las costumbres sociales de las diferentes épocas: copas elegantes y discretas de la época Victoriana a la exuberancia del modernismo; la originalidad del Art Déco y la sofisticación de los años 50; copas barrocas, populares unas y nobles otras; transparentes o de brillantes colores, copas puramente funcionales o sencillamente decorativas; copas de bohemia, con motivos costumbristas, con burbujas, dejando la huellas del artesano en ellas; grabadas, esmaltadas, opacas, con tallas magníficas; trabajadas al ácido representando famosas manufacturas nórdicas o alemanas, españolas o italianas, con una elegancia singular unas, y otras con una gran pureza creativa; copas con tapa para jengibre…, es imposible enumerar todos los tipos diferentes que podemos encontranos.
Unico Universo va a la búsqueda de esas copas con historia desconocida unas veces, otras descubierta. Grandes artistas han trabajado en cristalería, ya que algunas de las copas fabricadas han representado todo un orgullo local y nadie ha podido igualar su calidad. Las características regionales y nacionales fueron un sello distintivo hasta el siglo XVIII, momento en el cual se hicieron menos pronunciadas debido al traslado de muchos vidrieros a otros lugares en busca de mejores condiciones.
Una curiosidad, en las copas para uso litúrgico el papa León IV prohibió el uso del cristal en el siglo IX (era habitual la utilización de plata, oro y otros metales), aunque no todo el mundo era de la misma opinión…
El vino, el champán, el licor, nacen para ser saboreados con placer y una gran parte de las copas antiguas que nos encontramos, reflejan los gustos sibaritas de las épocas en que fueron creadas. Podemos aprender a beber en una copa ancha o estrecha que nos permita saborear el aroma, visualizar el color o percibir su efervescencia, para cada momento y uso encontramos un modelo adecuado. Llegar a pensar que a través de las copas que todos vamos acumulando podemos evocar lugares y colores, situaciones y acontecimientos que forman parte de nuestras vidas.
Como podéis comprobar, hablar de las copas (sobre todo de las de cristal) es un tema especialmente agradable e inagotable. Si tenéis dudas o sabéis curiosidades acerca de su evolución, nos encantaría que las compartiéseis con nosotras…
